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A Wardrobe of One’s Own: Dissident Femininities in the 19th century

Paris ( F) > 26.09.2026 - 14.02.2027

Conceived as a response to the often-normative approaches to femininity in fashion exhibitions, A Wardrobe of One’s Own: Dissident Femininities in the 19th Century intends to fill an important gap in fashion history. The exhibition reveals how the growing adoption of male dress codes went together with a desire for a profound transformation of women’s place in nineteenth-century society, not only in France but also in Anglo-Saxon countries.

Featuring almost five hundred works, the exhibition presents numerous iconic fashion pieces and accessories: Amazonian costumes, trousers, tailored suits, cravats, bow ties, top hats, etc. It also boasts a remarkable and previously unseen collection: the wardrobe that once belonged to Rosa Bonheur, shown here in its entirety.

The exhibition gives pride of place to iconography, with a selection of paintings, fashion posters, and one hundred-and-fifty amateur photographs, brought together for the occasion, and seen for the first time. This juxtaposition of silhouettes and images offers a better understanding of the cultural and social significance of the fashions of the day and highlights how the masculinization of female fashion challenged the gender binaries that structured nineteenth century society.

It also aims to provide a fresh perspective on the evolution of nineteenth-century women’s fashion. From women wearing men’s clothing to the styles privileged by artistic and lesbian Paris around 1900, including working women in suits and boots, the exhibition examines the impact of dissenting expressions of femininity and how these contributed to redefining women’s wardrobes during this period.

Featuring a selection of key historical figures, from Marie Antoinette to Natalie Clifford Barney or from George Sand to Rosa Bonheur, as well as a multitude of unknown women presented through vernacular photography, the exhibition invites visitors to identify with and reclaim this heritage.

Beyond its historical anchor, the exhibition also touches on contemporary issues and encourages reflection on the place of clothing and fashion in the transformation of identities and social roles, whether in the nineteenth or in the twenty-first century.

Text - und Bildquelle : Museumswebsite

Palais Galeria
10 av. Pierre 1er de Serbie 75116 Paris
Frankreich

weitere Infos: www.palaisgalliera.paris.fr/en/exhibitions/wardrobe-ones-own-dissident-femininities-19th-century

"Culture Catwalk"Mode trifft Maritimes

Hamburg ( D ) > 14.09.2026 - 01.11.2026

Was verbindet zeitgenössische Mode mit maritimen Objekten? Die Antwort lässt sich beim „Culture Catwalk“, einem Studienprojekt der AMD Akademie Mode und Design, im Internationalen Maritimen Museum Hamburg (IMMH) erleben

Die Studierenden bringen Alt und Neu in kreative Resonanz, indem sie einen Reigen schaffen aus klassischer Malerei, grobschlächtigen Antriebstechniken, rauen und feinen Materialien, ergänzenden und kontrastierenden Farbwelten. Dieser ist nun im IMMH zu sehen. „Culture Catwalk“ vereint junge Kreative aus den Studiengängen Modedesign, Designmanagement sowie Fashion Journalism & Communication .

Insgesamt umfasst der „Culture Catwalk“ 15 Spots auf mehreren Decks. Hier finden Sie die Texte zu den jeweiligen Inszenierungen.

Text - und Bildquelle : Museumswebsite

Internationales Maritimes Museum Hamburg
Kaispeicher B
Koreastraße 1
20457 Hamburg
Deutschland

weitere Infos: imm-hamburg.de/mode-maritimes-preview-night-zu-culture-catwalk-am-14-9-26/

Museum of Fashion and Costume

Palermo ( I ) > Daueraustellung

The museum of fashion and costume of the Piraino Collection, consists of about six thousand units including: clothes, bodies, douillettes, paletots manteaux, clothes from home, robes volants, accessories, lace, fabrics, underwear, popular clothing, ethnic, civil and military uniforms, childish and religious clothes, coming largely from ancient Sicilian families through a period of three centuries. A cross-section that is able to easily delineate the evolution of the taste of fashions that took place inside the island.

A wealth that finds in the rich fabrics and sublime embroideries of the past the imprinting of the renowned Italian and foreign and Sicilian tailors, such as the atelier of the French Madame Durand, that of the compatriot Pillitteri-Merlet and the Syracuse sisters, all skillfully able to reflect the fashion of the Parisian and London “theatres”. Celebri couturiers are present in the prestigious collection: Poiret, Fortuny, Worth junior, Doucet and Dior, to name a few, to which are added a constellation of other Italian houses such as La Ville de Lyon Florence, Serafina Barberis-Tourin, Angelici & Figli-Napoli.

Among the national and international scholars to have actively interested in the scientific potential of the material present in the collection are Cristina Giorgetti (University of Florence), Giuliana Chesne Daufhinè Griffo (University of Florence) and Maria Grazia Ciardi Dupré (University of Florence). The curriculum of the collection is extensive, having been exhibited in Formosa, the Arab Emirates, Atlanta in America and many Italian cities.

Text - und Bildquelle : Museumswebsite

Raphael Piraino Foundation
Museum of fashion and costume
Via dell'Università, 54 - 90134 Palermo (PA)
Italien

weitere Infos: www.fondazionepiraino.it/la-collezione/

Freude trifft Farbe: Mode Collagen von Veronika Urban

Bad Saarow (D) > 04.09.–31.12.2026

Veronika Urban lebt und arbeitet in Berlin. Die im SKF zu sehenden Collagen entstanden "aus Freude" aus einer Stimmung heraus. Veronika Urbans Bilder sind fröhlich-fantasievolle Figuren, die mit Witz und Farbe Mode kommentieren und neue Silhouetten aus verschiedenem Bildmaterial kreiren. Sie arbeitet als Dozentin in verschiedenen Einrichtungen und versteht es, Menschen mit unterschiedlichem Background – Geflüchtete, Straffällige, Schulabgängerinnen – für Arbeiten mit Textil und textile Techniken zu begeistern. 

Flyer. Download

Veranstalterin
Kunstgruppe des Fördervereins Kurort Bad Saarow e.V.

Ort
Scharwenka Haus
Moorstraße 3
15526 Bad Saarow
Deutschland

weitere Infos: scharwenkahaus.de/museum/

Exhibithion Simplicities

Brüssel ( B) > 12.06.2026 - 12.01.2027

The Fashion & Lace Museum invites you to explore simplicity in clothing. Spanning more than two centuries of history, this new exhibition looks at the times when people favoured purity, practicality, and naturalness in what they wore. Fashion is often associated with luxury, opulence, and novelty. Here, its function as a mirror of cultural and social change is examined. This is a subject that has previously received little attention.

Tracing the history of this quest for the natural and the authentic puts our contemporary concerns in a long-term perspective and prompts us to consider their ambiguities, tensions and grey areas.
Mathilde Semal, curator

Simplicities begins at the end of the 18th century. Enlightenment thinking and a concern with medicine and hygiene led to profound changes in outward appearance. This ‘return to nature’ meant a rejection of artifice, new cuts of clothing, breathable fabrics and an aesthetic vocabulary inspired by Antiquity. This fashion ideal came to reflect a new lifestyle that blended comfort, liberation of the body, and closeness to nature.

The exhibition consists of six chapters, each of which explores different aspects of simplicity. Drawn from across centuries of fashion, the pieces on display are presented alongside garments by contemporary designers such as Dries van Noten, Ester Manas, Issey Miyake, and Ann Demeulemeester, pointing to the continuities, comebacks, and contradictions of this aesthetic. Discover this overlooked facet of fashion history!

Text- und Bildquelle : Website

Fashion & Lace Museum
Rue de la Violette 12
1000 Brussels
Belgien

weitere Infos: www.fashionandlacemuseum.brussels/en

Pierre Cardin Museum

Venedig ( I ) > ab 13.09.2026

Hundreds of style-setting creations from the late designer Pierre Cardin will fill his Venice palazzo later this month in a new museum celebrating the cutting-edge vision of fashion’s futurist. A costume ball Thursday evening at Cardin’s Venetian home of nearly 40 years—the Palazzo Bragadin— helped kick off the museum opening, scheduled for Sept. 13.

Zeitgeist of the decade

Cardin, the Italian-born French couturier, who died in December 2020 at the age of 98, was a stalwart of swinging 1960s fashion with his unisex, space-age designs that created youth-culture shockwaves from the boulevards of Paris to Carnaby Street in London.

Knit mini-dresses with bold geometric patterns, unexpected cut-outs, and a penchant for synthetic fabrics cemented Cardin’s reputation as a modernist in tune with the zeitgeist of the decade.

Cardin used his palazzo in Venice, which he bought in 1981, as a retreat and a place to refuel his imagination, says his nephew, Rodrigo Basilicati-Cardin, chief executive of the label, whose creative atelier remains in Paris.

“I thought, ‘This was his home, what better place?’ There is an almost 1,000-square-meter space, with important ceiling heights; what better setting to display at least a hundred outfits?” he says during a tour of the exhibition space.

Cardin is largely remembered for the pioneering business strategy of licensing his name around the world to thousands of products, from bedsheets to answering machines—one that made him rich, but took some of the luster off his once-coveted brand name. And today, the company has about 130 products licensed.

A legacy of democratizing fashion
The museum seeks to remind viewers of the innovative design sensibility of the couturier, who worked under Elsa Schiaparelli and Christian Dior in Paris before launching his own line in 1950.

Cardin sought to democratize fashion through the launch of a ready-to-wear line in 1959—a shocking concept at the time that got him temporarily kicked out of the French haute couture governing body—but which was quickly copied by rivals.

Around 130 outfits fill the sumptuous rooms of the palazzo, ranging from 1951 to 2018: here an emerald green knit belted tunic with dramatic cut-outs at the sides from 1971, and there, a 1991 black velvet evening gown adorned with an oversized taffeta rose at the hips. A 1963 sleeveless mini-dress in silver silk with a honeycomb pattern has a bow at the neck serving as a collar, while a 1993 dress in pumpkin and black features dramatic pleats flowing from the bodice.

Basilicati-Cardin says that for his uncle, the body was secondary to what it supported—the sculpture of the clothing. “His entire life was based on structures; all his garments are architectural, nothing purely fluid,” he says. “He considered his dresses as sculptures.”

At heart, Cardin was a minimalist. “He was always the person who said: ‘I want them to recognize my dress from 10 meters away,'” he says. “Few ideas, two at most, preferably of different kinds—one of form, one of color—and that’s it. A minimum of concepts.”

Rodrigo Basilicati-Cardin, Ceo of Pierre Cardin group poses next to creations by late fashion designer Pierre Cardin. The museum, which will open to the public on 12 September 2026, will house over 350 works (historic and contemporary creations, original drawings, haute couture pieces, furniture, lamps and design objects) spread over an area of almost one thousand square metres

Thursday’s costume ball comes 75 years to the day after a legendary ball at a nearby palazzo that helped launch Cardin’s career. Dubbed the “Ball of the Century,” the 1951 party thrown by socialite art collector Charles de Beistegui was attended by the Who’s Who of society—including Orson Welles, the Aga Khan III, and photographer Cecil Beaton, who took many pictures.

Just after Cardin left Dior, the great couturier gave his former assistant a commission to create about 30 costumes for an upcoming ball in Venice that he did not have the time to do himself—a twist of fate that helped kickstart the young designer’s reputation.

“You have to imagine my uncle, four months after opening his ‘maison,’ finding himself with an order to create 30 important costumes. At that time, he had only six workers, six seamstresses, and he produced these 30 costumes, including those for Salvador Dali and his friends,” his nephew says.

Arranging last-minute details on Thursday for the upcoming museum opening was Renee Taponier, 79, who began working with Pierre Cardin at age 14. “I miss him,” Taponier tells AFP. “You see, he shaped me. He built my whole life.”

In her more than 60 years with the company, Taponier has sewn, worked in sales, and helped organize fashion shows, among many other jobs. “He was a man who demanded a lot, but who gave us a lot as well.”

Text - und Bildquelle : livestyle
© Agence France-Presse

Palazzo Cardin
Calle Corner, 221,
30135 Venezia VE
Italia

weitere Infos: lifestyle.inquirer.net/580643/pierre-cardin-museum-brings-designers-futuristic-style-to-venice/

Mise en Scène. Modefotografie von der Belle Époque bis heute

St.Gallen ( CH ) > 03.07.2026 – 28.02.2027

Im Fokus: Couture und Schweizer Stoffe. Die Ausstellung „Mise en Scène“ verbindet internationale Fotokunst mit regionaler Textilwirtschaft und illustriert mehr als 120 Jahre Mode-, Fotografie- und Sozialgeschichte.

Modefotografien erzählen nicht nur von Kleidern, sondern auch von Körperbildern und Rollenverständnissen: von der befreiten Silhouette der 1920er-Jahre über die glamouröse Weiblichkeit der Nachkriegszeit bis zu den selbstbewussten, diversen Darstellungen der Gegenwart. So wird die Modefotografie zum Spiegel gesellschaftlicher Veränderungen – und zum Schaufenster für die Schweizer Textilindustrie, deren Produkte über Jahrzehnte auf den internationalen Fashion Events präsent waren.

Mise en Scène versammelt Werke renommierter Fotograf:innen und Studios wie Séeberger Frères, Atelier d’Ora Benda, Helmut Newton, Peter Knapp, Jeanloup Sieff und Iwan Baan. Ergänzt durch Textilien und Mode von Forster Rohner, Jakob Schlaepfer, Akris und anderen Schweizer Unternehmen eröffnet die Ausstellung einen spannenden Dialog zwischen internationaler Fotokunst und Ostschweizer Textiltradition.

Eine andere Seite der Modeindustrie beleuchtet die zeitgleich in der Lounge des Textilmuseums zu sehende Serie „Porträt einer Schweizer Firma“: Im Jahr 1972 schuf Barbara Davatz eindrucksvolle Bildnisse von Arbeiterinnen und Arbeitern des Textilunternehmens Walser AG, Herisau.

Text - und Bildquelle : Museumswebsite

Textilmuseum St. Gallen
Vadianstrasse 2
CH-9000 St.Gallen
Schweiz

weitere Infos: www.textilmuseum.ch/fashion-photography/

LOOKS, LOOKS, LOOKS -

Antwerpen ( BE ) > 11.07.2026 - 08.11.2026

Die Antwerpener Modeabteilung bei der Arbeit

Mit LOOKS, LOOKS, LOOKS gewährt das MoMu einen Einblick in die Praxis der Modeabteilung der Königlichen Akademie der Schönen Künste Antwerpen. Die Ausstellung zeigt Silhouetten von studentischen Arbeiten, ergänzt durch grafisches Material wie Skizzenbücher und Zeichnungen, und macht so den Prozess hinter dem Endergebnis sichtbar.
Von der ersten Idee bis zum fertigen Entwurf: LOOKS, LOOKS, LOOKS zeigt, wie Studierende bei der Konzeptentwicklung, Visualisierung und Umsetzung einer eigenen künstlerischen Identität begleitet werden. Die Ausstellung lässt die Besucher in die Vision einer neuen Generation von Designerinnen und Designern eintauchen und verdeutlicht die Vielschichtigkeit und den Reichtum, den sie der Mode hinzufügen. Dabei setzt die Modeabteilung der Königlichen Akademie der Schönen Künste Antwerpen weiterhin auf einen komplexen und durchdachten Ansatz in Schnittführung, Handwerk und Bekleidungsdetails, in dem sich künstlerische Vision und fundiertes Wissen über das Kleidungsstück gegenseitig stärken.

Text - und Bildquelle : Museumswebsite

Modemuseum MOMU
Nationale Straat 28
2000 Antwerpen
Belgie

weitere Infos: www.momu.be/de/exhibitions/looks-looks-looks-antwerpener-modeabteilung?utm_medium=email&utm_source=mailchimp&utm_campaign=nieuwsbrief_juli_2026

Reflections on Fashion 75 Years of Fashion Collection

Den Haag ( NL ) >04.07.2026 - 03.01.2027

What happens when you give Jan Taminiau and Lisa Konno access to the largest collection of fashion and costumes in the Netherlands? For Kunstmuseum Den Haag, 2026 marks a special milestone: the 75th anniversary of its fashion collection. In this large-scale fashion exhibition, the museum joins hands with a broad spectrum of co-curators to reflect on the rich, multifaceted and unexpectedly current collection of fashion and costumes over the years. Reflections on Fashion will showcase iconic designs from Iris van Herpen, Coco Chanel, Fong-Leng, Dior, Hubert de Givenchy, Jan Taminiau, Viktor & Rolf, Frank Govers, Karim Adduchi and others. And by looking through the eyes of the co-curators, visitors will experience these designs in a new and surprising light.

Reflections on Fashion offers a glimpse of the work that goes on behind the scenes at a fashion collection, from the restoration atelier to the storage depot. Among the highlights of the exhibition is a pale pink Chanel dress from 1926, made famous by a Dutch TV programme, Secrets of the museum. The dress was an unexpected find hidden in a collection of fabric scraps, a discovery that met with great amazement. Following extensive in-house restoration, this object became a favourite of online visitors and will now be displayed for the first time.

Reflections on Fashion brings this kind of process to life, offers a fresh perspective on highlights from the collection and shows viewers what goes on behind the scenes. An ‘open depot’ in the gallery and the opportunity to observe restorations up close and personal – like a real ‘dress detective’ – make the reconstruction process tangible. For the open depot, Tess van Zalinge has selected collection pieces from the 18th, 19th and 20th century which visitors can examine inside and out – from crinolines and corsets to the hidden interior of a gown.

Living collection

From 17th-century statement pieces to recent creations fresh off the catwalk, Kunstmuseum’s fashion collection shows how fashion continues to evolve and how garments can tell stories about identity, craftsmanship and the era in which they were worn. What started out as the Dutch Costume Museum (Nederlands Kostuummuseum) in 1951, has, over the past 75 years, grown into the largest fashion and costume collection on the Netherlands, with over 50,000 costumes and accessories. The collection lives on; it continues to inspire and is embraced anew by each successive generation. And this is precisely what was written in the 1950s, when the collection stated its desire to be ‘a living institution’ that ‘mingles in the life of society’. Reflections on Fashion demonstrates exactly that.

Text - und Bildquelle : Museumswebsite

Kunstmuseum Den Haag Stadhouderslaan 41
2517 HV Den Haag
Niederland

weitere Infos: www.kunstmuseum.nl/en/exhibitions/reflections-fashion

Martin Leuthold: „Inspiration“

Lustenau ( AT) 01.07.2026 - 10.01.2027

Die Ausstellung „Inspiration“ richtet den Blick auf die Stickereiproduktion in Vorarlberg, insbesondere Lustenau, und deren komplexe Verflechtungen mit internationalen Märkten, vor allem mit Nigeria. Im Zentrum steht die Frage, wie sich lokale Textiltraditionen mit globalen Wirtschaftssystemen verbinden und dabei zugleich kulturelle Identität, gesellschaftliche Dynamiken und ästhetische Ausdrucksformen bilden. Der Schweizer Designer Martin Leuthold hat diese Zusammenhänge aufgegriffen und in vielschichtigen Arbeiten sichtbar gemacht, die den Austausch zwischen Handwerk, Industrie und internationalem Handel reflektieren.
Martin Leuthold (*1953) war über viele Jahre Kreativdirektor von Jakob Schlaepfer, einer international renommierten Textilfirma mit Schwerpunkt auf Stickereiproduktion mit Sitz in St.Gallen. Unter seiner Leitung erhielt das Unternehmen zahlreiche Auszeichnungen, und seine Entwürfe fanden Eingang in die Haute Couture-Häuser von Paris bis New York. Leuthold verknüpft in seiner Arbeit Handwerkstradition mit internationaler Designpraxis. Sein Ansatz ist forschend, analytisch und zugleich von poetischer Bildkraft getragen.

Die Auseinandersetzung mit Stickereien aus Lustenau eröffnet Leuthold die Möglichkeit, historische und zeitgenössische Aspekte des Textildesigns miteinander zu verbinden. Dabei untersucht er nicht nur die ästhetischen Dimensionen, sondern auch die gesellschaftlichen Bedeutungen von Stoffen: als Träger von Erinnerung, als Handelsgut und als Medium kultureller Selbstverortung.
Zentrales Element der Ausstellung sind von Martin Leuthold bearbeitete Stickereien aus Lustenau. Für „Inspiration“ wurden sie überdruckt, verfremdet und weiterentwickelt. In großformatigen Arbeiten entfalten sie eine vielschichtige Bildsprache, die Material, Farbe und Struktur neu interpretiert.

Die Designs verlassen die reine Fläche und treten in den Raum: Sie wandern über den Boden, überziehen Fensterflächen, steigen Wände empor und verwandeln den Ausstellungsraum in eine durchwirkte Textilkomposition. Damit rückt Leuthold die Stickerei nicht nur als textile Oberfläche, sondern als Raumerfahrung ins Zentrum.

Ein besonderes Objekt der Schau ist ein mittig platzierter Kubus, der vollständig mit Lochkarten aus der Stickereiproduktion verhüllt ist. Aus seinem Inneren heraus beginnt er zu leuchten – ein poetisches Sinnbild für codiertes Wissen, Erinnerung und digitale Transformation im Textildesign. Die Lochkarte, ursprünglich ein Steuerungsinstrument für Stickmaschinen, wird hier zum künstlerischen Symbol einer Wissensspeicherung, die Vergangenheit und Zukunft miteinander verbindet.
Ein Spannungsfeld für das Thema Stickerei

Die Ausstellung bewegt sich bewusst in einem Spannungsfeld aus Schönheit, Überfluss und Unbehagen. Farben, Muster und textile Oberflächen ziehen an, überwältigen, verführen – und verweisen zugleich auf globale Systeme von Produktion, Zirkulation und Wertschöpfung. Textilien erscheinen hier nicht als neutrale Materialien, sondern als Träger von Geschichte: von kolonialen Handelsrouten und industrieller Ausbeutung ebenso wie von Selbstbehauptung, Transformation und ästhetischer Praxis. Die anonymisierten Figuren verzichten auf individuelle Identität; sie fungieren als Projektionsflächen für kollektive Bilder von Mode, Körper und Macht.

Unterschiedliche Motive, etwa zu Reichtum und Macht, verdichten diese Fragen. Geld erscheint beispielsweise nicht als abstraktes Zahlungsmittel, sondern als sichtbares Zeichen globaler Abhängigkeiten. In der Gegenüberstellung von textilem Reichtum und ökonomischer Symbolik wird deutlich: Wert ist kein natürlicher Zustand, sondern das Ergebnis historischer, politischer, wirtschaftlicher und persönlicher Zuschreibungen.

Die Ausstellung verweigert eindeutige Antworten. Stattdessen fordert sie dazu auf, eigene Blickgewohnheiten zu hinterfragen – und die scheinbare Unschuld von Ästhetik im Kontext globaler Verflechtungen neu zu betrachten.

Text - und Bildquelle : Museumswebsite, Foto © Marcel Hagen

Stickerei – Museum.
Kneippstraße 6a,
6890 Lustenau
Österreich

weitere Infos: s-mak.at/wechselausstellung/